5 berühmte Werke von Beatrice Wood, die Sie kennen sollten

Beatrice Wood war eine amerikanische Künstlerin, die 1893 in einer wohlhabenden Familie in San Francisco, Kalifornien, geboren wurde. Gegen den Willen ihrer Eltern beschloss sie, sich der Kunst zu widmen und studierte Malerei in Paris an der Académie Julian und Schauspiel an der Comédie-Française. Wood verbrachte mehrere Jahre als Schauspielerin bei der French Repertory Company in NYC, wo sie in zwei Jahren über sechzig Rollen spielte. Nachdem sie den französischen Dadaisten Marcel Duchamp und den französischen Avantgarde-Schriftsteller Henri-Pierre Roché kennengelernt hatte, engagierte sie sich für die Avantgarde- und Dada-Bewegung. Gemeinsam schufen sie dadaistische Zeitschriften. Sie wechselte von der Performancekunst zum Experimentieren mit Bildhauerei und Keramik und ist vor allem für ihre avantgardistische Studiokeramik bekannt. Hier sind 5 Werke von Beatrice Wood.

1962 finanzierte das Außenministerium Beatrices Reise nach Indien, wo sie als ernannte Kulturbotschafterin zu Besuch war. Sie hatte sich bereits für die indische Kultur interessiert, wie ihr Umzug nach Ojai bewies, um näher beim indischen Philosophen J. Krishnamurti zu leben. Sie kehrte nach Hause zurück, inspiriert von der neuen Oberflächenstruktur, Farbe, Verzierung und erotischen Bildsprache, die sie in Indien sah. Sie war stark von den dekorativen Reliefskulpturen auf Keramik beeinflusst und übersetzte diese in ihre eigenen Töpfe.

Bei der Blue Lustre Double Necked Bottle mit geflochtener Verzierung schuf Wood Reliefskulpturen von Fischen auf der Flasche, was ein häufiges Motiv in ihrer Arbeit war. Die beiden Ausgüsse scheinen menschliche Figuren zu sein, die durch Händchenhalten miteinander verbunden sind. Auf dem Glas befindet sich ein Löwenkopf, der in blauem und violettem Glanz glasiert ist. Die leuchtend glänzenden Glasuren wurden wahrscheinlich von der theosophischen Farbtheorie inspiriert. Die glasartige Oberfläche ihrer Keramik entsteht durch irisierend wirkende Metallsalze. Dies wird durch den Reduktionsbrand erreicht, bei dem Sauerstoff aus dem Ton und der Glasur absorbiert wird. Sie beherrschte diese Technik und gilt noch heute als eine der Pionierinnen dieser Technik.

Im Alter von 92 Jahren schuf Wood eine beeindruckende Menge an Werken wie den Goldkelch. Wie der metallische Glanz des Keramikstücks erkennen lässt, nutzte sie ihre Reduktionsbrandtechnik. Dies wurde dadurch noch effektiver, dass sie Chemikalien wie Mottenkugeln in ihren Ofen warf. In den 1980er Jahren begann sie, sich auf aufwändigere Tonformen zu konzentrieren und blieb bei monochromatischen Glasuren. Als zeremonieller Kelch verzierte Wood den Kelch mit runden Knöpfen und mehreren Schlaufenhenkeln. Sein schillernder Glanz verstärkt die Rundung und Textur der Oberfläche und ist eine Hommage an die Heiligkeit des Objekts.

Obwohl sie nicht religiös war, bestimmte Woods Spiritualität neben ihrer Kreativität ihr Leben. Ihr Studium der Theosophie und der esoterischen Lehren war ein wichtiger Teil ihres Lebens. In der theosophischen Farbtheorie wird davon ausgegangen, dass eine spirituelle Reinigung durch die Reinigung der Farbe möglich ist. Ein ähnliches Ritual wird durch ihren einzigartigen Ofenprozess durchlaufen, der mit diesem Reinigungsvorgang einhergeht. Kombiniert mit der Skulptur eines traditionell heiligen Bechers schafft Wood durch dieses Stück ihre eigene spirituelle Bedeutung.

Wood hatte nicht damit gerechnet, als Maler und Performancekünstler mit Keramik zu experimentieren. Allerdings kaufte sie 1933 ein Set antiker Lüsterteller ohne Teekanne und beschloss, selbst eine anzufertigen. Während ihrer produktiven künstlerischen Karriere stellte sie weiterhin Teekannen mit ihrer charakteristischen Glanzglasur her, die zu Beginn des abstrakten Expressionismus in den 1950er Jahren entwickelt wurde. Die Gold Lustre Teekanne hatte einen großen runden Körper, einen unverhältnismäßig großen Griff und einen untergroßen Fuß.

Wood brachte im Laufe der Jahre eine ganze Kollektion von Teekannen hervor, die alle in Aussehen und Stil unterschiedlich waren. Anstatt Töpfe als kostbare Objekte zu betrachten, fügte sie eine Verspieltheit in ihren Prozess ein, die eine dadaistische Perspektive der Freiheit widerspiegelte. Es gibt Glasuren in Gold, Rosa, Grün und Blau. Über die typische Teekannenform hinaus experimentierte sie mit raffinierten Grundelementen. Zu diesen kindlichen Figuren gehörten Clowns, Tänzer und Fabelwesen. Ihre Liebe zur Volkskunst wird in diesen unkonventionellen Skulpturen deutlich. Wood betrachtete sich immer als Künstlerin und nicht als Handwerkerin.

Wood hat oft Erzählungen in ihre Stücke eingewoben. Tides in a Man's Life erzählt die Geschichte der Reise eines Mannes, der die Spitze ihrer Skulptur erklimmt. Das Stück offenbart drei Phasen: einen gescheiterten Versuch, die helfende Hand einer Frau und den Erfolg, den goldenen Ring zu erreichen. In den 1940er-Jahren begann Wood, Strichmännchen zu entwerfen, und statt sie auf reale Menschen zu stützen, betonte sie ausschließlich deren Geschlecht, um Fragen rund um diesen Teil der menschlichen Identität zu untersuchen.

Wood pflegte während ihrer Karriere als Künstlerin fast täglich das Zeichnen. Die Themen, die sie in diesen Zeichnungen untersuchte, wurden in ihren figurativen Skulpturen deutlich, die Beziehungen, Träume und Politik zeigten, meist mit einem komödiantischen Ton. Die Bedeutung ihrer Arbeit überwog oft die technische Dimension ihrer Kreationen, was dazu führte, dass ihre Arbeit zu dieser Zeit als naive Kunst oder Volkskunst abgestempelt wurde. Aber später in ihrem Leben und nach ihrem Tod wurden Woods Meisterschaft und ihre Fähigkeiten als Geschichtenerzählerin anerkannt. Diese Skulptur ist nur ein Beispiel, das ihre Ansichten über die Machtdynamik zwischen Männern und Frauen offenbart.

Wood begann nach ihrem Umzug nach Ojai mit figurativen Skulpturen zu experimentieren. Sie ließ sich vom Dadaismus, ihrer umfangreichen Sammlung an Volkskunst und ihrer Identität beeinflussen. Auf die Kritik, die ihr wegen der Unvollkommenheiten ihrer Arbeit ausgesetzt war, reagierte sie mit einer apathischen Haltung. Sie gab an, dass ihr die Bezeichnungen „gut“ oder „schlecht“ völlig egal seien, und betont stattdessen, dass sie diese Zahlen absichtlich ungeklärt gelassen habe.

Männer mit ihren Frauen zeigen vier konventionelle Paare an einem Tisch und einen Dreier in der Mitte, bei dem es sich vermutlich um Wood selbst handelt, die zwischen zwei Männern eingeklemmt ist. Der Titel selbst gibt Einblick in ihre Meinung über die ungerechten Rollen, die Frauen auferlegt werden. Ihre Platzierung in dieser Skulptur ist scheinbar ein Statement für das unabhängige Leben, das sie geführt hat, und sie stellt dies auf humorvolle Weise dar. Viele ihrer Skulpturen wie diese gelten heute als feministische Werke. Sie bezeichnete sich jedoch nie als Feministin, was höchstwahrscheinlich daran lag, dass sie immer noch an einigen Idealen des 19. Jahrhunderts festhielt.

Als Wood noch lebte, wurde sie 1994 von der Smithsonian Institution zur angesehenen amerikanischen Künstlerin ernannt. Nach ihrem Tod wurde 2005 das Beatrice Wood Center for the Arts gegründet. Während ihrer künstlerischen Karriere erlangte sie Anerkennung, doch ihr Vermächtnis reicht weit über ihr Leben hinaus .