Haiti

Es ist eine Quelle des Göttlichen und des Bösen. Es ist verletzlich und mächtig. Es ist sowohl ein Lichtfilter als auch seine ultimative Quelle. Das Auge, schrieb der spanische Dichter Juan Eduardo Cirlot im 20. Jahrhundert (unter Berufung auf die alten Griechen), „könnte die Sonne nicht sehen, wenn sie in gewisser Weise selbst keine Sonne wäre.“ Das Auge leuchtet; Sehen ist „ein spiritueller Akt und symbolisiert Verständnis.“

Das Auge – mit seinen vielen Bedeutungen – taucht immer wieder in den fantastischen (und fantastischen) Gemälden von Didier William auf, die derzeit Gegenstand der Einzelausstellung „Didier William: Things Like This Don't Happen Here“ bei James Fuentes sind Galerie in Hollywood. Inmitten jenseitiger Landschaften, die vor Empfindungen zu schwirren und vor Elektrizität zu pulsieren scheinen, platziert William geheimnisvolle, gesichtslose Gestalten, deren Haut aus Hunderten, wenn nicht Tausenden Augen besteht.

Die Augen sind für schwarze Körper eine Möglichkeit, die intensive Prüfung widerzuspiegeln, die ihnen so oft auferlegt wird. „Es ist eine Möglichkeit für die Figuren in meinen Gemälden, den neugierigen Blick zu erwidern“, sagte mir William 2018 in einem Telefoninterview. „Nicht nur mit ihren Augen, sondern mit jedem Quadratzentimeter ihrer Haut.“

Die Augen haben auch andere Zwecke. „Sie sind wie apotropäische Amulette, die den bösen Blick abwehren: eine Armee immer wachsamer, unablässiger, zyklopischer Augen“, schrieb die Kritikerin Zoé Samudzi in einer kurzen Monographie über Williams Werk, die 2021 veröffentlicht wurde. „Sie sind die Materialisierung eines autonomen und kollektivierten.“ Anspruch auf das Recht zu schauen.

In der Arbeit von William, einem in Haiti geborenen und in Miami aufgewachsenen Künstler, der jetzt in Philadelphia lebt, passiert viel. Seine Arbeit erregte meine Aufmerksamkeit erstmals in der Gruppenausstellung „Relational Undercurrents: Contemporary Art of the Caribbean Archipelago“ im Jahr 2018 im Museum of Latin American Art in Long Beach. In dieser Ausstellung war sein Gemälde „Sie spielen zu viel, bis wir aufhören zu spielen“ aus dem Jahr 2015 zu sehen, auf dem eine seiner augenbedeckten Figuren auf einer Holzbühne mit schattigen Gliedmaßen kämpft. War es ein Body-Wrestling mit unsichtbaren Kräften? Oder gegen sich selbst kämpfen? Das ist schwer zu sagen, aber der Streit war spannend.

Unterhaltung & Kunst

Seitdem bin ich ein paar Mal in Gruppen auf seine Arbeit gestoßen, zuletzt in „Forecast Form: Art in the Caribbean Diaspora, 1990s-Today“, das Anfang des Jahres im Museum of Contemporary Art Chicago präsentiert wurde (und wird im Herbst zum Institute of Contemporary Art Boston reisen).

Jedes Mal, wenn ich auf Williams Gemälde stieß, war ich verblüfft – nicht nur von der Art und Weise, wie er Bilder verwendet, sondern auch von der sorgfältigen Herstellung seiner Stücke. Die Ausstellung bei James Fuentes, mit der Anfang letzten Monats die Räumlichkeiten des New Yorker Galeristen in Los Angeles eröffnet wurden und nun in den letzten Tagen ist, bietet die Gelegenheit, eine Reihe seiner Werke an einem einzigen Ort an der Westküste zu betrachten.

Die Einzelausstellung versammelt 14 neue Gemälde, die sich sowohl mit dem Jenseitigen als auch mit dem Biografischen befassen.

Eine große vertikale Leinwand mit dem Titel „Plonje (Tauchen)“, die dieses Jahr entstand, zeigt drei gesichtslose Figuren, die in eine Wassertiefe eintauchen. Es erinnert an die Art und Weise, wie die Meere rund um Haiti den Afrikanern und ihren Nachkommen als Friedhof gedient haben, angefangen bei der Mittleren Passage bis hin zu den gefährlichen Reisen, die Haitianer noch heute nach Florida unternehmen. Aber diese übernatürlichen, mit Augen bedeckten Körper gleiten durch ein Gewässer, das auch Augen hat. Die Szene erinnert an den Tod, aber es gibt auch Leben. Die mystische Natur der Figuren erinnert mich an Drexciya, die mythische Welt, die von der gleichnamigen Detroiter Musikgruppe erfunden wurde – ein Unterwasseruniversum, das von übermenschlichen Nachkommen versklavter Frauen bevölkert ist, deren Körper von Sklavenschiffen geworfen wurden.

Eine andere Leinwand, „I Wanted Her to Kill Him, I Know Why She Didn't“, ebenfalls aus dem Jahr 2023, ist persönlicher. Inspiriert wurde es von der Mutter des Künstlers, einer Restaurantangestellten, die mit einem missbräuchlichen Chef zu kämpfen hatte. Es zeigt eine Figur, die in einem abstrahierten Raum eine andere mit Lichtstrahlen beschießt. Die Wände sind mit einem sich wiederholenden Muster aus Vèvè-Symbolen bedeckt, den rituellen Mustern, die im haitianischen Vodou verwendet werden. In diesem Fall ein Herzmuster, das an Erzulie Dantor erinnert, einen schützenden mütterlichen Geist.

Aus der Ferne wirbeln und brodeln die Bilder vor Bewegung und hellen Farbtupfern. Besonders einprägsam ist ein großes horizontales Stück, das von einer Episode aus Williams Kindheit inspiriert wurde, als er von einem Auto angefahren wurde, nachdem er seinen Hund auf eine belebte Straße gejagt hatte. „My Father’s Nightmares: 40mph Hit“ zeigt einen Ersatz für den Künstler, der durch die Wucht des Aufpralls in die Luft katapultiert wird; In der Ferne wedelt sein Vater hilflos mit den Armen. Die Szene wird durch einen blau-weißen Lichtfaden zusammengehalten, der die beiden Figuren verbindet, aber auch Williams Bewegungen durch Zeit und Raum zu verfolgen scheint. Kann ein Autounfall eindringlich schön sein? Das hier ist.

Unterhaltung & Kunst

Die Kunstgruppe Asco aus den 70er-Jahren war im Dunkeln, bis eine LACMA-Ausstellung ihre Mitglieder zu Lieblingen der Kunstwelt machte. Jetzt sind sie in einen Streit um die Zuschreibung verwickelt.

Am bemerkenswertesten sind jedoch die Details, die Sie entdecken werden, wenn Sie näher herangehen. William fertigt seine Bilder auf Holztafeln an und schnitzt die Augenmuster häufig in das Holz selbst, wenn auch nur sehr leicht. Dies verleiht seinen Augen Textur, jedoch nicht auf eine Art und Weise, die die Oberfläche des Bildes stark unterbricht. Es vertieft das Gefühl der Illusion: Seine Figuren sind Teil des Gemäldes, aber nicht vollständig Teil des Gemäldes – sie bewohnen einen unterirdischen materiellen Zustand.

William sagt gerne, dass er „Gemälde mit anderen Medien in Konflikt bringt“. Ich wage zu behaupten, dass „beschwören“ das bessere Wort wäre, da es sich hierbei um Werke handelt, die sich anfühlen, als wären sie von ein wenig Magie berührt worden.

„Didier William: So etwas passiert hier nicht“

Wo: James Fuentes, 5015 Melrose Ave. Wann: Bis 17. JuniInfo: jamesfuentes.com