Wahl des Kurators: Schwarze queere Künstler nutzen figurative Kunst auf ihre eigene Art und Weise

Curator's Choice ist eine monatliche Gastkuratorenreihe mit Sammlungen von Kunstwerken und Essays von aufstrebenden und führenden Stimmen in der Kunst oder in der Kultur im weiteren Sinne. Die vorgestellten Kunstwerke sind alle auf Artsy verfügbar.

Wie können schwarze Künstler – insbesondere schwarze Queer- und Trans-Künstler – figurative Werke schaffen, die ihre Subjektivität in den Mittelpunkt stellen? Es ist eine dringende Frage, die über die bloße Ästhetik hinausgeht. Der kulturelle Wandel hin zur Einbeziehung schwarzer Perspektiven, der in den letzten Jahren stattgefunden hat, fühlt sich zu oft wie Plattitüden an: eine illusorische Verpflichtung, die durch PR-motivierte Sprache und vage Ideen eingegangen wird, statt nachhaltiger materieller Veränderungen. Mit dieser kulturellen Auseinandersetzung sind hohle Vorstellungen davon entstanden, was es bedeutet, das Leben der Schwarzen zu repräsentieren.

Da schwarze Künstler vom Mainstream weiterhin allzu oft als eine Form der sozialen Währung angesehen werden, entscheiden sich viele dafür, sich von dieser heimtückischen Version der Repräsentation abzumelden. Künstler, die schwarz, queer und trans sind, machen ebenfalls mehrere sich überschneidende Erfahrungen mit diesem schädlichen Abflachungsprozess durch, sodass die Neuzentrierung der Innerlichkeit für viele ein Mittel ist, die Fülle des schwarzen Lebens darzustellen. Für diese Künstler ist es eine Wohltat, wirklich mit besonderer Aufmerksamkeit gesehen zu werden – sowohl von den Angehörigen als auch von sich selbst – und ihnen ein Gefühl von Sicherheit und Fürsorge zu vermitteln. Diese kuratierte Auswahl von Künstlern zeigt, wie transformative figurative Praktiken ein Mittel sein können, um die von der breiteren Kultur geforderte einfache Lesbarkeit zu verweigern.

Die Arbeit des in Philadelphia geborenen und dort lebenden Künstlers Jonathan Lyndon Chase ist auf genau diese Weise sowohl nach innen als auch nach außen gerichtet. Chase arbeitet in Skulpturen, Videos, Installationen und auf Papier und stellt die queere, feminine und geschlechterexpansive Subjektivität der Schwarzen mit Anmut in den Vordergrund und bekräftigt sie. In „Cold Dark Umarmung“ (2020), einem von mehreren Musselin-Leinwandwerken des Künstlers, umarmen sich zwei Figuren unter einem schwarzen Sternenhimmel. Ihre Augen sind geschlossen, während sie in diesem Moment des Sehens und Gesehenwerdens ein Zuhause zu finden scheinen, der Art von Fürsorge und Zuneigung, die schwarze queere Menschen einander so oft entgegenbringen. Dieses Werk bindet sein Publikum ein, indem es eine Art gegenseitige Anerkennung darstellt, die auf einer gemeinsamen gelebten Erfahrung beruht.

Auch Love Charged Shore Mouth to Mouth (2021) beschwört die ganze Bandbreite queerer Intimität herauf. Zwei Matrosen küssen sich vor dem Hintergrund einer schwarzen Fläche, und ein reich verziertes rotes Feld bedeckt die unteren Teile ihrer Körper. Hier steht die queere Sexualität der Schwarzen im Mittelpunkt, lehnt jedoch die traditionelle Sichtweise ab. Stattdessen bleibt das Bild dieser Körper im Verhältnis zueinander für Außenstehende unsichtbar, ein Aufruf zu einer aktiven, queeren Subjektivität jenseits der Grenzen des konventionell Darstellbaren. Wie in „Cold Dark Umarmung“ wird das queere schwarze Leben in einem Kosmos der Schwärze auf der Leinwand dargestellt, liebevoll gelöst aus strengen gegenständlichen Taxonomien und Kontexten in einen befreienden und amorphen Raum.

Die handbestickten Wandteppiche der in New York lebenden Textilkünstlerin Qualeasha Wood sind Selbstporträts der Künstlerin selbst, die oft als religiöses Idol dargestellt werden. Woods neu gestaltete Selbstporträts erschaffen Textilien aus digitalen Bildern und verkomplizieren die rassistische und geschlechtsspezifische Hierarchie des Schauens. Diese Arbeiten kritisieren auch die Art und Weise, wie die Arbeit und die kulturelle Produktion schwarzer Frauen in der Vergangenheit ausgebeutet wurden.

Beispielsweise macht ein Heiligenschein aus Cursorpfeilen in Click (2023) Woods Bild zu einem Blickfang für den Betrachter. Durch die Verwendung von Ikonografien aus der Internetkultur der Jahrtausendwende und durch die Verdrängung konventioneller Raumorientierungen vermeidet das Werk jedoch die konsumtive Gewalt des historisch frauenfeindlichen Blicks. Wood setzt diese Praxis der Verweigerung fort und ist für ihre Praxis bekannt, mehrere Bilder und Wörter digital unter die beobachtbare Ebene ihrer Arbeit zu schichten. Die endgültigen Wandteppiche bleiben, wie sie von der Öffentlichkeit gesehen werden, für alle außer ihrem Schöpfer völlig unbekannt (und ebenso unkonsumierbar).

Der in Los Angeles lebende Künstler Paul Mpgai Sepuya arbeitet entgegen den Erwartungen der Fotografie und untergräbt in seinen sorgfältig konstruierten Studioporträts den Akt des Schauens. Sepuyas eigene Gemeinschaft ist oft das Thema seiner hochintelligenten Arbeit – Freunde und Liebhaber werden oft gezeigt, visuell fragmentiert oder durch Requisiten, Rahmung und Manipulation der fotografischen Ebene abstrahiert. A Sitting for Matthew (2015) ist typisch für Sepuyas Prozess, da es durch den Einsatz von Spiegeln den Zugang des Betrachters zur Szene unterbricht und so eine neu ausgehandelte Sichtweise schafft.

Die ebenfalls konzeptionelle Arbeit Figure (_2100799) (2017) verfolgt einen anderen Ansatz, das herkömmliche Blickfeld zu stören. Hier unterbricht eine dreieckige blaue Fläche den Betrachtungsvorgang der Figur und bildet so etwas wie einen Schutzschild. Diese Materialschichtung abstrahiert den Körper in eine transzendentalere Form, die sich festen Definitionen entzieht. Wie in Sepuyas gesamter Praxis bleibt die Beziehung zwischen Künstler, Dargestelltem, Betrachter, Kunstraum und Werk selbst kontinuierlich vermittelt.

In seinen Skulpturen, Installationen und linsenbasierten Praktiken nutzt der Künstler Shikeith Licht, Raum und Dauertechniken, um ekstatische Bilder zu schaffen. Kris (in Blau) (2021) nutzt die Porträtmalerei als Mittel zur Vermittlung von Vielfalt, indem sie ein Foto mit einem anderen überlagert, um Standbilder auf mehrere Ebenen von Raum und Zeit zu erweitern. Es ist ein visuell kaleidoskopischer Ansatz, der die Figur des Werkes als immaterielle, fast fantastische fotografische Spur würdigt.

Werke wie „A Missed Prayer“ und „Brush your Blues“ (beide 2017) verfolgen einen eher körperlichen Ansatz und stellen die gemeinsame Körperlichkeit als Hinweis auf Intimität sowie als eine Form der figurativen Gestaltveränderung dar. Diese Fotos fragen uns: Wer sind wir, wenn wir die Verletzlichkeit der Gemeinschaft akzeptieren? Welche Möglichkeiten eröffnen sich durch queere Akte der Zärtlichkeit?

Diese Künstler definieren neu, was es bedeutet, repräsentiert zu werden – sowohl als Kunstwerk als auch als Schöpfer zu sehen und gesehen zu werden. Damit setzen sie die langjährige Tradition des schwarzen queeren Kunstschaffens fort, das sich ausschließlich denjenigen bietet, die auf einer gemeinsamen Erfahrungsebene existieren. Ähnlich wie die schwarzen, queeren und transkulturellen Figuren zuvor schaffen diese Künstler durch ihre radikale Auseinandersetzung mit Raum, Zeit und Form neue Möglichkeiten und widersetzen sich der Kooptation durch den sogenannten dominanten Betrachter. Hier sind figurative Praktiken eine von mehreren Möglichkeiten, wie die grenzenlosen Welten des schwarzen queeren Lebens gepflegt und geschützt werden können.

Sarah-Tai Black (they/them) ist eine Kunstkuratorin und Kritikerin, geboren und (größtenteils) aufgewachsen im Treaty 13 Territory/Toronto, deren Arbeit darauf abzielt, schwarze, queere, trans- und crip-Zukunfts- und Freiheitsarbeit in den Mittelpunkt zu stellen.