Rezension: „Keith Haring: Kunst ist für alle“ im Broad

Im Frühjahr 1989, kurz nach seinem 31. Lebensjahr und etwa zehn Monate vor seinem Tod, zeichnete Keith Haring ein Selbstporträt mit schwarzer Tinte auf weißem Papier. Es sagt viel über die Art und Weise aus, wie er an seine Arbeit heranging – sowohl als Motivation als auch als Thema.

Außer als T-Shirt ist die Selbstporträtzeichnung eines ikonischen schwulen Künstlers aus einem Jahrzehnt, das in einen bösartigen konservativen Kulturkrieg verwickelt war, nicht in „Keith Haring: Kunst ist für alle“ enthalten, der neuen großen Übersicht (rund 120 Werke). wurde in der Innenstadt am Broad eröffnet und kam pünktlich zur Feier des LGBTQ+ Pride Month an. Eine von mehreren Versionen erscheint jedoch am Anfang des großen – und weitgehend hilfreichen – Ausstellungskatalogs. Das Bild wird mit großer Linienökonomie wiedergegeben, nur etwa zwei Dutzend schnelle Striche. Haring zeichnete sich durch einen ovalen Kopf aus, den Haarknoten über einem zurückweichenden Haaransatz, ein Paar hervorstehender Ohren und Augen, die hinter einer schwarz umrandeten Brille hervorstarrten.

Direkt unter der Brille befinden sich zwei einfache Markierungen, die zusammen das gesamte Gesicht wunderbar beleben. Eine davon ist eine nach oben gerichtete Kurve, die andere direkt darunter ist ein Punkt.

Visuell lesen sich diese beiden Gesichtszeichen auf zwei verschiedene Arten: als Nase über einem Mund, der einen überraschten Gesichtsausdruck macht, als würde er ein unerwartetes „Oh!“ von sich geben; oder, anders betrachtet, als ein Lächeln, das über einem markanten Grübchenkinn hervorbricht. Das Ergebnis ist teils eine karnevalistische Karikatur, teils ein generisches Smiley-Gesicht. Mit großen Augen stellt Haring dar, dass er gleichzeitig erstaunt und glücklich ist.

Ich schätze, er ist glücklich darüber, Künstler zu sein. Das könnte ihn auch überraschen.

Harings Biografie ist bekannt. Aufgewachsen im winzigen Kutztown, einem ländlichen Bezirk in Pennsylvania etwa 100 Meilen westlich von New York City, schrieb er sich mit 18 Jahren an einer kommerziellen Kunstschule in Pittsburgh ein. Bald wurde er der konventionellen kaufmännischen Anforderungen an Kreativität überdrüssig und gab auf. Kaum 20 Jahre alt, als er in Manhattan ankam, brachten ihn die Einschreibung an der freizügigen School of Visual Arts und das gemeinsame Spielen in einem blühenden Nachtleben in der Innenstadt auf einen neuen Weg. Er trat aus dem Schrank, nahm an Shows in der florierenden alternativen Kunstszene teil (auch in Tanzclubs) und freundete sich mit gleichgesinnten Künstlern wie Jean-Michel Basquiat und Kenny Scharf an.

1980 gelang ein Durchbruch – ein „Oh!“ Moment, der erste von vielen.

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Der LA-Künstler Kenny Scharf erinnert sich an das Zusammenleben mit seinem engen Freund Keith Haring, als sie Anfang der 1980er Jahre an der New Yorker School of Visual Arts studierten. Der 1990 verstorbene Haring ist Gegenstand einer großen Ausstellung im Broad Museum, die am Samstag eröffnet wird.

Haring, ein gewohnheitsmäßiger U-Bahn-Fahrer, bemerkte die großen, leeren Blätter mattschwarzen Papiers, mit denen unbenutzte Werbetafeln vorübergehend abgedeckt wurden. Auf seinen Reisen durch den städtischen Untergrund begann er, diese mit weißer Kreide zu bemalen und so U-Bahn-Korridore zu einer Art freier öffentlicher Galerie zu machen. Die Zeichnungen befanden sich zwar weit entfernt von den glänzenden Ausstellungsräumen des Establishments in der 57. Straße, der Madison Avenue oder in Soho, fanden aber auch kommerzielle Flächen. Aber sie propagierten nichts anderes als ihre eigenen überschwänglichen Bilder.

Nennen Sie die U-Bahn-Zeichnungen eine anspruchsvolle Aneignung – eine, die seine vielfältigen Erfahrungen in Pittsburgh, bei SVA und im Club 57 am St. Mark's Place unter der Leitung der Künstlerin und Schauspielerin Ann Magnuson in Einklang brachte.

Das andere „Oh!“ Momente haben mit dem Thema zu tun – Aufkeuchen vor Freude, Wut, Enttäuschung, Vorsicht und mehr, wenn es um die sozialen Bedingungen der 1980er Jahre im In- und Ausland geht. Einige legten Wert auf vergnüglichen Spaß, wie zum Beispiel die Verwendung greller Neonfarben, die die kontemplative Stille einer normalerweise stillen Kunstgalerie mit der lebhaften Ausgelassenheit unterbrechen würden, die man auf der befreienden Tanzfläche einer überfüllten Schwulenbar findet. Andere waren nüchtern – Bilder, die mit politischer Unterdrückung, der ständigen Bedrohung durch nukleare Vernichtung, der Grausamkeit der Apartheid, der Gier der Reagan-Ära, einem durch Hass der religiösen Rechten angeheizten Kulturkrieg, Apathie gegenüber der explodierenden AIDS-Krise und vielem mehr verbunden waren.

Viele dieser Themen – zu viele – sind auch heute noch drängend. HIV, das Virus, das beispielsweise AIDS verursacht, wurde letzten Monat vor 40 Jahren identifiziert; Aber es gibt immer noch keinen Impfstoff. (Ein ausdrücklich unvollendetes Haring-Gemälde aus dem Jahr 1989 ist eine bewegende Erklärung des drohenden Verlusts.) Die Ausstellung zeichnet sich durch eine bemerkenswerte aktuelle Relevanz aus, obwohl das Kunstwerk bereits vor vier Jahrzehnten entstanden ist.

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The Broad präsentiert Keith Harings allererste LA-Museumsausstellung, eine ehrgeizige Übersicht, die mehr als 120 Werke, persönliche Ephemera, immersive Umgebungen und die Mixtapes des Künstlers umfasst.

Im Broad hat die Kuratorin Sarah Loyer Werke thematisch gruppiert und viele der zehn Galerien virtuell vom Boden bis zur Decke tapeziert. Die Ausstellung konzentriert sich auf etwa sieben produktive Jahre, von 1982 bis 1989. Während einer Pressevorschau wurde noch keines der Kunstwerke beschriftet (das ist jetzt der Fall), was Querverweise weitgehend unmöglich machte. Aber die Aktualität, gepaart mit einer Karriere, deren tragische Kürze keine wesentliche formale Entwicklung zuließ, erzeugt einen Zeitsprung, der mit Harings Ästhetik in Einklang steht. In seinen Werken verbindet er immer wieder alte Geschichte mit zeitlosem Pop-Stil.

Haring fertigte unflektierte lineare Zeichnungen an, bei denen es sich fast ausschließlich um Glyphen und Piktogramme handelte, wie paläolithische Höhlenmalerei mit einem bewegten städtischen Rand. Zeichnung beschreibt fast alles in der Ausstellung, ob mit Tusche oder Farbe auf Papier, Baumarktplanen, gelegentlicher Leinwand oder sogar ein paar Tongefäßen ausgeführt. Haring war durch und durch Grafiker.

Sogar viele seiner Skulpturen, im Allgemeinen die schwächsten Werke in seinem produktiven Oeuvre, bestehen aus flachen, zweidimensionalen Ebenen aus Holz oder Stahl, die sich schneiden, sodass sie in drei Dimensionen stehen können – die rudimentärsten Strukturen überhaupt. Andere basieren auf kommerziell hergestellten Fundstücken, wie kitschigen Fiberglas-Nachbildungen der Freiheitsstatue oder einer korinthischen Säule, die sich als Low-Budget-Dekoration für griechische oder italienische Restaurants eignen. Zeichnung ist das konzeptionell unmittelbarste Medium, das vom Gehirn direkt in die Hand und aufs Blatt gelangt. Doch Harings oft schwerfällige skulpturale Formen verlangsamen optisch den Antrieb, der seine besten Arbeiten in Schwung hält.

Manches davon ist heimtückisch witzig, wenn auch dürftig, wie die gelegentlichen Beschwörungen der New-Age-Pyramidenmacht. Ein raffiniertes Gemälde zeigt ein Paar aneinandergrenzender kobaltblauer Dreiecke, die optisch auf einem mandarinenfarbenen Grund vibrieren, gekrönt von einer Explosion strahlender Pinselstriche. Die auf eine runde Formica-Tischplatte gemalte Rautenform wechselt zwischen der Beschreibung einer Pyramide und einer höflich gefalteten Serviette. Eine andere Arbeit fügt fliegende Untertassen hinzu, die in der Nähe schweben, eine satirische Anspielung auf die pseudowissenschaftliche Geschichte eines alten ägyptischen Reiches, das nicht von versklavten Menschen, sondern von Außerirdischen, die mit UFOs ankamen, errichtet wurde.

Harings Bilder, wie auch sein Selbstporträt, setzen sich oft produktiv mit inneren Widersprüchen auseinander. Nehmen Sie seinen berühmten bellenden Hund. Die flotte Konturzeichnung eines kastenförmigen Rumpfes, einer Schnauze und Gliedmaßen, die alle von zwei spitzen Ohren gekrönt sind, zeigt ein Tier, das gleichzeitig der beste Freund des Menschen und ein bedrohliches Symbol autoritärer Macht ist.

Eines von zwei cartoonartigen Tafeln in einem großen Werk mit Tinte auf Pergament zeigt Figuren, die vor einem Hund fliehen, der ihnen auf den Fersen ist. Die andere Tafel zeigt Figuren, die energisch über das bellende Tier springen, dessen knurrende Drohung sich als wirkungslos erweist. Bellende Hunde beißen selten, heißt es, und Haring versinnbildlicht die Tugend robusten Widerstands gegen Einschüchterungen.

Ein Werk wie dieses spiegelt die beiden für Haring wohl wichtigsten Künstler wider. Walt Disney brachte den Irrsinn der Zeichentrickfilme auf ein hohes Niveau für den Massenkonsum. Und die knurrenden Kampfhunde erinnern sich an die schockierenden Nachrichtenfotos aus Birmingham, aufgenommen von Charles Moore, die Andy Warhol in Siebdrucke verwandelte, um seine „Race Riot“-Gemälde anzufertigen.

„Haring, Warhol, Disney“, eine wichtige Ausstellung im Phoenix Art Museum aus dem Jahr 1992, zeichnete diese Einflüsse nach, die der Künstler direkt in Gemälden widerspiegelte, auf denen eine exzentrische Figur mit Mickey-Mouse-Ohren zu sehen ist, die unter Warhols wilder Perücke hervorragt. Bezeichnenderweise modelliert die flotte Hybridfigur namens Andy Mouse auch die klobige, schwarz umrandete Brille, die Haring trug. Auch diese Piktogramme sind, wie die Smiley-Karikatur, Selbstporträts.

Der Untertitel der Broad-Ausstellung „Kunst ist für alle da“ war ein Haring-Mantra und stellt sowohl eine Stärke als auch eine Einschränkung dar. Kunst ist eigentlich nicht jedermanns Sache; Fernsehen ist – Fernsehen, Hollywood-Filme, U-Bahn-Werbung und jede andere einschmeichelnde Form kommerzieller Populärkultur, die ein schillerndes Markenzeichen unserer Zeit ist. Die Stimmung des Titels muss angepasst werden. Kunst ist nicht jedermanns Sache, sie ist für jeden da – was nicht ganz dasselbe ist. Kunst ist für jeden da, der sie will, was den Betrachter zu einem engagierten und willigen Partner macht.

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Ein Dokumentarfilm über einen lebenden Künstler ist besonders schwierig zu machen, wenn das Subjekt nicht beteiligt ist. Das ist einer der Gründe, warum „The Melt Goes on Forever: The Art and Times of David Hammons“ bemerkenswert ist.

Auf jeden Fall wurden in den sozialen Medien bereits hämische Kommentare darüber gepostet, dass die Kunst-für-jeder-Show des Broad nur für diejenigen gedacht sei, die 22 US-Dollar für den Kauf einer Eintrittskarte hätten, eine wichtige, aber andere Sache. Die offene Großzügigkeit des Geistes in Harings lebhaftem Werk ist wahrscheinlich tiefgreifend darauf zurückzuführen, dass er die Prüfungen des Lebens in einer oft grausamen und zutiefst repressiven Gesellschaft, weiß und patriarchalisch, überstanden hat. Die vollständige Akzeptanz seiner sozialbewussten Identität ist für ihn von zentraler Bedeutung, wie diese geschickte Show unterstreicht.

Es ist Keith Haring, ein schwuler Mann und Künstler, der für jeden da ist, egal ob seine Kunst es ist oder nicht. Das ist eine egalitäre Verpflichtung, die sich ideal zum Feiern während des LGBTQ+ Pride Month – und jedes anderen – eignet.

„Keith Haring: Kunst ist für alle da“

Wo: The Broad, 221 S. Grand Ave., Los AngelesWann: Dienstags, mittwochs und freitags von 11 bis 17 Uhr, donnerstags von 11 bis 20 Uhr, samstags und sonntags von 10 bis 18 Uhr. Montags geschlossen. Bis 8. Oktober. Info: (213) 232-6200, www.thebroad.org